FALLECE LA REINA DEL DISCO.

Es curioso, a veces el destino me tiene post preparados por sorpresa para escribir. Noticias o frases que cuando las leo y sin saber muy bien por qué, me dejan durante algunos minutos callados y hacen que me olvide de todo lo que tenía ya preparado, para tener que volver a empezar.

No, no soy ningún fan acérrimo de Donna Summer. Es más, si hace un rato me hubieses preguntado por un simple título de canción, posiblemente no te hubiese sabido ni responder. Sin embargo, cuando uno lee su nombre y es de mi generación, sabe de sobra que es una artista de esas, a las que hay muchas cosas que agradecer.

Sabes que has escuchado sus temas por la radio, aunque no los seas capaz de recordar. Te produce esa cierta nostalgia de tus primeros veranos saliendo con la pandilla, de tema recopilado en algunas de tus primeros “Boom” o incluso de aquellas noches tempraneras, en una discoteca light.

Después de dos horas leyendo y escuchando sobre ella, ya tengo totalmente claro todo los que los amantes de la música en general y de la electrónica en particular le tenemos que reconocer.

LaDonna Adrian Gaines fue una de esas mujeres valientes que amaron la música por encima de todo y hasta el final. No tuvo miedo de viajar desde Boston a Alemania cuando tan sólo tenía 20 años para empezar a cantar en un musical. Tampoco lo tuvo cuando empezó a mezclar su música con la electrónica, aunque muchos las considerasen pasada de años ya. Y mucho menos se lo concedió a la enfermedad, conviviendo con el cáncer y con la música hasta ese último “last dance”. Sacando singles que volvieron a ser números uno, como “To Paris with Love” en 2010. Reapareciendo en varios conciertos y shows hasta mediados del año pasado e incluso trabajando con su sobrino en un tema titulado “Angel”, que posiblemente ya nunca verá la luz.

Trabajadora, constante, atrevida. Donna siempre se valió de la gente que le rodeaba para a través de sus temas y su inconfundible voz, sacar canciones que nunca dejarán de sonar en las pistas de baile de cualquier ciudad del mundo. “Hot Stuff”, “I feel love”, “Bad girls”, “On the radio”… Temas y temas que han sido una influencia inconfundible para otras artistas tan reconocidas como Madonna o Kylie Minogue y que a partir de hoy sonarán en directo en lo más alto, haciendo la vida de los de allí ahí arriba, si cabe un poquito más feliz.

Donna Summer. Un nombre propio para un playlist cargado de sus éxitos más sonados y las versiones más sorprendentes de sus canciones.

Hoy en el cielo hay fiesta disco.

D.E.P.

Donna Summer Playlist

Mac Arthur Park – Donna Summer
Love to love you baby – Tom Tom Club
Bad girls – Donna Summer
On the radio – Hypnogaja
Don´t cry for me Argentina – Donna Summer
Starting over again – Dolly Parton
Hot Stuff – Donna Summer
Sunset people deep dub – Gay Marvine
Heaven Knows – Donna Summer
Dim all the lights – Laura Branigan
State of independence – Donna Summer
Love is in control – Blue Noise
Last Dance – Donna Summer
The woman in me – Heart
Walk away – Donna Summer
She Works hard for the Money – Magdalena Reneberger
I will go with you (Con te partiro ) – Donna Summer
Fuego de pasión (Love´s about to change my love ) – Mónica Naranjo
To Paris with Love – Donna Summer
I feel love – Donna Summer
I feel love – MYNC
I feel love – UnClubbed (with Kim Wayman)
I feel love – Bronski Beat
I feel love – Vanessa Mae
I feel loveBlue Man Group
Future Lovers / I feel love – Madonna

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Los primeros minutos son duros y hay que saber lidiar con las respuestas que suenan a lección aprendida de carrerilla, para poco a poco irle ganando a base de conocimiento sobre su obra y cierta complicidad. Es entonces, pasados los primeros minutos, cuando empiezas a observar como la entrevista se convierte en conversación. A partir de ahí los otros cuarenta minutos restantes son una delicia. El sueño de hablar de tú a tú con alguien a quien admiras. La magia de descubrir juntos un álbum y descubrir secretos que nunca hubieses adivinado, sin la ayuda del propio creador.

Tras más de tres años de silencio, Xoel finalmente se quita la camiseta de Deluxe y vuelve mucho más calmado para ofrecernos un disco con un aroma a latinoamérica, a océano y a tranquilidad. “Me pedía el cuerpo dejarlo todo. Venía trabajando muy duramente y necesitaba un tiempo de descanso. El disco nace en un contexto de calma, después de haber tenido mucho tiempo para meditarlo y componerlo, y eso se nota. Al fin y al cabo lo que pasa en tu vida, se refleja en tu música. Cuando me fui no era mi idea tardar tanto tiempo en sacar disco, ni siquiera sabía si iba estar cuatro meses o tres años. Tampoco sabía si iba a sacar un disco, tres o ninguno. Así que pasado el tiempo, me encontré con esto y esto es lo que salió.”

Es una pregunta de manual, pero en ocasiones imprescindible. Después de un disco tan sentido, tan cargado de reflexiones y pensamientos, no puedo pasar sin que me cuente de primera mano qué es todo aquello que ha querido expresar a través de estas doce canciones. “Es una forma de contar todas las cosas que me han pasado durante este tiempo. Tenía la necesidad de mostrar las canciones de este periodo. Toda esta calma y todo este tiempo que tuve para hacerlas, se fueron convirtiendo en lo contrario a medida que el viaje se acercaba al final. Tenía muchas ganas de expresarlo a través de las canciones. Al fin y al cabo para mí, la música nace como medio de comunicación.”

Entre Deluxe, Lovely Luna y otras colaboraciones, es difícil de contar los discos que a día de hoy, Xoel tiene el mercado. Un sentimiento muy emocionante al principio, pero que se puede llegar a convertir rutinario en el momento en el que entras en la dinámica de grabar y grabar… “Justamente con este disco volví a recuperar la emoción por sacarlo. Piensa que hacía mucho tiempo que tenía una dinámica de disco por año básicamente y llegas a un punto que cuando lo sacas, ya estás pensando en el siguiente y pierdes esa sensación. Son las mismas ganas que te decía antes de volver a hacer un disco, las que me hicieron recobrar la ilusión por el formato, por tocarlo y demás.”

Me gusta cuando entrevisto a grupos o cantantes que llevan un tiempo en silencio parar un momento, echar la vista atrás, coger perspectiva y a partir de allí continuar. “Permíteme que te haga un inciso, pues es eso precisamente, lo que me fui buscando yo.” Entonces compartirás que hay que remontarse a 2008, 2009. Los años de Fin de viaje infinito (Virgin/EMI, 2007) y Reconstrucción (Virgin/EMI, 2008). “Es una época muy intensa de mi vida, tanto en lo personal como en lo emocional. Está reflejado en los discos y creo que ellos hablan por sí mismos. Precisamente yo hago canciones para no tener que contar mi vida personal de forma explícita y directa. Las canciones las interpreta cada uno como quiere, pero está claro que fue una época de mucho cambio emocional y movimiento mental. Por eso salieron esas letras y esa profundidad. Temas con cierta oscuridad y ganas de salir de allí. Precisamente si te fijas en ellos, Atlántico sigue esa misma línea argumental. Escuchando las letras yo creo que se puede llegar a entender una historia, se puede ligar un hilo argumental.”

Sin embargo por aquel entonces, ese clima de melancolía de los discos, en los directos se veía reflejado cada noche en una luminosidad espectacular. Una gira para el recuerdo, cargada de festivales y conciertos memorables. Pero que sorprendentemente, terminó con la disolución de Deluxe como banda. “Yo cuando decidí dejarlo, fue cuando decidí terminar de girar. Nunca existió esa situación de haber decidido dejarlo y seguir girando con un proyecto en el que no creía. Obviamente las decisiones no se toman de la noche a la mañana, se van gestando en tu cabeza y tienen un tiempo de transición. De hecho, yo no tenía tantas ganas de cambiar Deluxe por Xoel López, lo que realmente quería era tener tiempo para saber qué cojones quería hacer. Había llegado a un momento de tanta intensidad que ni siquiera tenía tiempo para poder disfrutar de lo que hacía, ni para mi vida personal. No podía ni jugar al futbol los jueves, ni ir a comer con mi familia los domingos. Tenía ganas de tener tiempo de hacer cosas normales. Por eso necesitaba romper, para poder tomar perspectiva de mi vida y decidir qué es lo que quería hacer.” Supongo que es en ese momento en el que decides marchar. “Sí. Yo sabía que si estaba aquí, todo iba a seguir igual. Por eso me tenía que ir”.

Casi tres años de silencio después, llega a las redacciones una nota de prensa que reza: La vuelta de Xoel López con la Caravana Americana. Unos mini gira de conciertos únicos e inolvidables, que ponían fin a un viaje y que por suerte yo pude vivir en las más de cuatro horas de concierto que distéis en el Circo Price de Madrid. “Fue un broche de oro a una experiencia inolvidable. El colofón a todos los encuentros que yo había tenido en cada lugar de América. Traerlos a España era como cerrar el círculo. Fue más allá que las canciones. Esa unión, esa mezcla de culturas, esa diversidad, fue la muestra de la obra en sí misma. Yo quería que la gente escuchase por lo menos una muestra de todo aquello que me había encontrado yo. Y por otra parte, que ellos también conociese mi contexto aquí, mi terreno.”

Ha sido sacarle el tema de la Caravana y ver como finalmente Xoel se empieza a emocionar con sus respuestas. Se le siente totalmente emocionado con su viaje y sólo recordarlo le hace hablar y hablar. Incluso si le pregunto a cerca de su primer disco con su nombre en portada… “En estos momentos la conexión entre mi nombre y mi música es total. Verme tocando sólo en un bar de Buenos Aires y presentarte como Deluxe, me parecía absurdo, no sentía ya el seudónimo. Realmente yo era Xoel López, es mi nombre, me gusta y lo de Deluxe me parecía una tontería ya. Me siento mucho más cómodo ahora, con mi nombre en los carteles”.

Mientras sigue hablando de su viaje, menciona Buenos Aires, Chile, San Francisco, Los Ángeles. Con la calma que transmite el disco y bañado por esas costas, quien sabe si incluso se tendría que haber llamado Pacífico en vez de Atlántico. “Ja, ja ja. Yo lo veo como Atlántico, porque ha sido un elemento unificador. Es el océano que he tenido que cruzar varias veces para ir de mi casa a América. Por eso pensé que era el nombre adeudado. Es curioso porque es un nombre que no tuve ni que pensar, lo tenía decidido desde hace mucho tiempo”

Más allá de bromas, lo cierto es que el disco derrocha aroma a Sudamérica, a ritmos latinos y al cantautor más puro que Xoel lleva dentro y que a él le gusta llamar “trovador”. Por momentos incluso pienso si para algunos de sus fans, no se habrá pasado un poco con e cambio… “El disco por suerte no está grabado en mi periodo de fascinación. Si lo llego a grabar en el primer año, sí que podría haber sido mucho más marcado. Pero creo que está tan digerido y tan interiorizado, que al final es anecdótico.” Sin embargo, lo que yo creo que lo que le pasa a Xoel, es que está ya muy acostumbrado a oír a su nuevo él. Porque realmente, cuando escuchas el disco por primera vez, sí que son sonidos muy nuevos, e incluso a veces, difíciles de digerir en un primer momento. “Obviamente yo estoy dentro y tengo otra perspectiva. Quizá desde fuera pase, pero yo como lo he vivido de una forma tan natural y tan del día a día, no he sido consciente de ese cambio. En el fondo es como alguien al que pasas mucho tiempo sin ver y cuando te lo vuelves a encontrar ha engordado, ha cambiado el peinado, la forma de vestir… Sin embargo, en cuando te tomas un café con él, te das cuenta de que sigue siendo el mismo tipo. Con el disco yo creo que ha pasado lo mismo y que en cuanto la gente lo escuche un poco, se dará cuenta de que sigo siendo el mismo yo.”

Comienza el nuevo trabajo con un tema titulado “El hombre de ninguna parte”, aunque para un disco tan interracial, bien se podría haber titulado Ciudadano del mundo… “Totalmente de acuerdo. Sin duda que es un título que no me representa. Es un tema que sólo refleja un momento que yo viví y en el que me encontraba un poco despistado, viajando de aquí para allá, sin saber muy bien ni donde estaba. Un momento en el que cada lugar era nuevo y estaba siempre rodeado de gente y sitios que apenas conocía. Meses de estar sin arraigo, como pedido. Pero sin embargo con el tiempo, me sentí hombre de muchos lugares. Y todos esos lugares que al principio me parecieron como difíciles en un principio, luego se convirtieron en mi casa”. Fue quizá esa soledad la que le volvió a hacerle músico de la calle. “Totalmente. De hecho yo venía de dar conciertos con gente que te preparara los cables, que te afina las guitarras… Incluso me había olvidado ya de lo que era ir sólo a un bar, hablar con el tipo y organizártelo tú todo. Volví a los orígenes, a la realidad de lo que hacía yo antes. Fue algo muy sano, la verdad.”

Si uno habla con el mundo que rodea a Xoel, todo la gente te destacará su vitalidad, su alegría, su positivismo…  Parece que es sólo cuando se enfrenta a un pentagrama en blanco cuando se pone el traje del mencionado trovador. “Todo el mundo es muchas cosas. Me considero vitalista, optimista, alegre… Quizá ahora más alegre que hace tres años y menos que dentro cuatro, yo que sé. La vida son siempre ciclos y no siempre se puede estar en lo más arriba. Me encanta el sentido del humor y me baso mucho en él para mi vida. Pero también me encanta el mundo de los sentimientos profundos y sería ingenuo si pretendiese estar en todo momento en un estado de felicidad. La felicidad no existe, es un estado mental pasajero. Uno no se puede sentir feliz todo el día y por eso también creo que es necesario sentirse triste o solo. Creo que todos los sentimientos se dan la mano y por eso a veces en las letras sale esa melancolía. Porque tengo necesidad de comunicarla y de sacarla de mi cabeza”. Es en este estado de completa sinceridad, cunado no puedo evitar mirarle a la cara y preguntarle: Porque Xoel, qué es más fácil, hacer canciones de amor o desamor. “Uff… si te fijas en mis discos lo cierto es que no creo que encuentres ninguna canción que hable explícitamente de amor. El amor esta ahí, en todas las canciones, pero a un nivel más universal. El amor más en general, más allá del de pareja. Yo creo que es un tópico eso de que cuando estás mal, o te deja tu novia, es cuando haces más canciones. Yo encuentro la inspiración en el movimiento, ya sea un cambio de casa, un cambio de perspectiva, un cambio en la forma de pensar, conocer a alguien que te cambia tu vida, llegar a una ciudad que te evoca recuerdos, descubrir algo nuevo… No sé, muchas veces me inspiró el amor y otras muchas el desamor. De hecho el desamor, no deja de ser la búsqueda de un nuevo amor. Por eso mis canciones de desamor, también son de amor y cuando he reflejado situaciones dolorosas, creo que siempre he dejado una ventana abierta o algo que sea una esperanza, para ir a ese lugar. Pero claro, siempre reconociendo que estás en el otro lugar, porque si uno no lo asume, ese cambio es imposible. Digamos que reconocerlo es el comienzo del posible cambio. De hecho La Boca del Volcán, habla un poco de todo esto”

Viviendo fuera de España, cuando llegó a mis oídos y a los de gente que me rodea el adelanto del tema “Tierra”, fue para muchos el reflejo perfecto de esa sensación de volver. ¿Fue cuando lo compusiste, cuando fuiste consciente de que tu viaje se había acabado? “Curiosamente, es la última canción que compuse del disco. De alguna manera sí que tiene que volver con esa vuelta y lo hice en el último momento antes de empezar a grabar. Fue la última en llegar y la primera en salir y sí que es verdad que hay algo de “volver” en esa canción. Fue la única canción del disco que me salió del tirón. La empecé a escribir y no paré hasta que la acabé. En cierto modo hay algo misterioso en todo esto de hacer canciones. Yo no controlo todo lo que hago y no sé hasta que punto me salio sola esa canción. Muchas veces es como si de una manera las canciones fuese el medium entre mi subconsciente y lo que escribo. A veces siento que estoy escribiendo y que si paro no lo voy a poder acabar. Es misterioso, algo mágico y con este disco me conecté muchas veces.”

En definitiva un disco redondo que espero que cuente con una gira igual de redonda. “Ojalá que fuese así. Sí que es cierto que es mi disco más internacional y que me sentiría muy cómodo tocándolo en cualquier parte del mundo. En ese sentido Deluxe, tenía mucho menos que ofrecer al mundo que Atlántico. Este disco es más exótico y tiene mejor aceptación en otras partes del mundo que el clásico pop anglosajón”

Llega el final de la entrevista y como me suele gustar, el momento para hablar un poco de actualidad. Finalmente Xoel se ha mostrado abierto por completo, me ha respondido de corazón y eso se agradece terriblemente. Pero ante estos temas, vuelve la experiencia y la cautela del perro viejo que ya es. Le pregunto sobre lo de las declaraciones de Wert conciso responde “yo creo que los que se tienen que ajustar el cinturón es los que ganan más”. No se moja para nada en el tema de la Ley Sinde, ni de la libre descarga y reflexiona brevemente sobre cómo se vive la política al otro lado del charco. “Allí la gente está bastante más involucrada con la política y con lo que hace el gobierno, algo que quizá ahora se esté empezando a hacerse aquí. Durante mucho tiempo nos hemos desentendido de la política y eso es tanto culpa de los gobernantes como de los ciudadanos, pero creo que la gente joven está mucho más mentalizada y con muchas más ganas de cambio.” Y después de tanto tiempo en Argentina, también me es inevitable preguntarle sobre la nacionalización de YPF. “En general a la gente allí les ha parecido bien. Pero son temas muy complejos que mi opinión puede ser muy naif. Yo te puedo hablar perfectamente de Atlántico… de mi disco… y opinar sobre cualquier otra cosa es meterme en camisa de once varas. Lo que pase entre una empresa española y el gobierno argentino no va a cambiar para nada mi opinión sobre el país y sobre todo lo que yo he vivido y la gente que he conocido allí…“ Es entonces cuando utilizo la táctica del “Loco de la Colina” y me quedo en silencio unos segundos hasta que por arte de magia… ¡hop! “…pero sólo te digo una cosa más: Que no me parece mal”.

Así acaba casi una hora de conversación con Xoel. Era difícil pero creo que ha habido momentos muy intensos donde se ha sincerado de verdad. Un placer enorme el poder conocer un poco más a un tipo tan genial, sentimental y con un corazón tan grande como Xoel López. Un ocasión inmejorable para entrevistarle, después de que halla finalizado este viaje tan especial.

Uno de mis sueños, que espero que algún día se haga realidad, es el de montar un discográfica, promotora, o algo así. Aún no ha llegado el momento, pero mi amigo Carlos y yo, sabemos que ese día llegará.

A varias personas que he ido conociendo por la vida ya les llegó el suyo y sus caras cuando les veo, nunca pueden transmitir más felicidad. Les pasó a Sergio y Nuria primero con Muzikalia y luego con Aloud. Después conocí a Pepo y hace poco estuve en el segundo aniversario de Gran Derbi Records. No me pudo hacer más ilusión, cuando mi amigo Luisbe me dijo que no sólo no tenían suficiente con montar el Polifonik (su propio festival, que justamente se ha celebrado este fin de semana en Barbastro) sino que también se lanzaban a la piscina con Todos Nosotros y sacando el nuevo disco de Remate. Y el viernes asistí al lanzamiento del nuevo e ilusionante proyecto de Laura y Claudia, promotora, discográfica, o lo que sea, bautizado como Just a Crush.

The Waiting Room (Stoke Newington, London), nueve de la noche, cartel cargado de grupos por descubrir y una sala a medio llenar. A Claudia la conozco muy poco y a Laura de nada. Pero la vitalidad y las sonrisas de sus caras cuando las vi, transmitían esa sensación única a mitad de camino entre la satisfacción y la felicidad más plena. Reflejaban el brillo en los ojos de cuando uno de esos sueños de los que antes hablaba, se convierte en realidad.

Pero centrémonos por un momento en lo puramente musical. En el conciertazo que dieron Mujeres, en el grandísimo descubrimiento de la noche, que fue Colours y el excepcional remate que dieron Fair Ohs.

Sala ya a tres cuartos. Cuatro tipos de Barcelona con sus bigotes y sus barbas, salen al escenario sorprendiendo a aquellos que por su nombre pudiesen esperar otra alineación. A la voz de tres la sala se llena de ritmos frenéticos, de sonidos aceleradísimos a mitad de camino entre el surf de los Beach Boys, el pop de los Beatles, el rockabilly y el punk. Sonido perfecto, canciones divertidísimas, primeras filas ya bailando y el mismo “pero” de siempre. Demasiado tiempo entre canción y canción, haciéndote casi imposible poder disfrutar de un discurso intenso y permanente, que te haga gozar de su música en su máxima plenitud. Algo que fueron mejorando hacia el final y que consiguieron (menos mal) cuando enlazaron sus dos últimos temas.

Por un segundo miro a mi alrededor y me veo rodeado de desconocidos en un sótano de Londres, frente a un pequeño escenario y con un público volcado con canciones que acaban de conocer. Les observo y decido en un instante que de todas las épocas de la historia, me quedo con la que me ha tocado vivir. Con la de trabajar cinco días menos o más puteado fastidiado, para que llegue el viernes por la noche y poder rodearte de música en directo y disfrutar. Con la época en la que toda la música se fusionó y se hizo accesible a todo el mundo en su mayor expresión.

Una pinta y ya está Colours sobre el escenario. En la sala ya no entra un alma más. Expectación absoluta ante una banda que no conozco de nada, pero de la que conociendo los gustos de las organizadoras, seguro que no me va a defraudar.

Formación clásica de dos guitarras, bajo y batería. El ligero toque de un micro sintetizando la voz y canciones sublimes. Descubrimiento de la noche. Gloriosos, contundentes, claroscuros… Cada vez me gusta más este pop subterráneo, creado entre las penumbras de bases shoegaze distorsionadas, pero que gana tremenda luminosidad con toques de electrónica, como en este caso la da la voz. Me apasionaron, la verdad. Mantuvieron la intensidad de principio a fin. Tema tras temas sin a penas interrupción. Durante casi una hora que voló, volví a sentir esa misma sensación de festival, en la que empiezas un concierto sin esperar nada de él y lo acabas declarándote su mayor fan.

Terminaba la sesión con el rock garajero, atronador y algo africanizado de Fair Ohs. Ligero repaso a sus intensos comienzos. Dosis de poco más de un minuto cargadas de duros sonidos guitarreros y mucha mala leche. El cierre perfecto para los amantes del rock más rudo y quizá algo demasiado para los oídos más pop. Pero sea como fuese, un buen final.

En días como el viernes, uno es consciente de la mucha y muy buena música que hoy día se hace en la mayoría de los bares de cualquier ciudad. Alucinante pensar en la cantidad de buenas bandas que quedan por descubrir y la cantidad de mierda basura que siguen sonando cada día por las radios. Lo mismo, de los mismos, que siguen haciendo las mismas cosas. De verdad, no os acostumbréis a lo que os hacen escuchar, educad vuestras orejas e id a conciertos de bandas que no conozcáis de nada. Descubrid nuevos sonidos que os llenen de felicidad.

Acababa la noche para mí, pero quedaban aún los DJ´s por llegar. Y si las caras de Claudia y Laura brillaban al llegar, no me quiero imaginar como serían cuando todo acabó, pues del gentío que había cuando me tuve que ir, no me pude ni despedir. Llenazo absoluto, sonoridad perfecta, grupos que demostraron estar más que a la altura y un público entregado y predominante inglés. Algo que hasta ahora, no conozco muchas promotoras españolas que hayan podido conseguir, pues su estrategia se basa más en grupos nacionales, para público nacional.

Sinceramente, me pareció el estreno perfecto. La inauguración de un proyecto con la que cualquier persona podría soñar. Muchísimas gracias, muchas felicitaciones y ojalá que todo os vaya muy bien. Sólo espero que algún día yo os pueda estar haciendo la competencia, con otro cartel tan bueno y en algún otro garito de la ciudad.

Luego empezó a correr por las calles, a llenar las alcantarillas, a formar los primeros charcos. Invitándome a salir por el mero hecho de volver a sentirme mojado, de volver a sentirme como en casa. Risas de niñas en el parque y Katiuskas por estrenar. Lluvia bienvenida tras la sequía invernal.

Un minuto, dos, tres… Así hasta alcanzar las horas, luego los días, finalmente las semanas y ahora ya va para dos meses. Dos meses desde que el cielo nublado cubrió el sol y la lluvia apareció. Lluvia de mañana, de tarde, de noche, de madrugada.

Ni un respiro, ni un atisbo de primavera. Sólo su húmeda y fría presencia en todo momento y en todo lugar. Los tímidos charcos se convirtieron en lagunas permanentes. Los paraguas en nuestros mejores aliados. Los chubasqueros en el único amigo de quien no te debes olvidar.

Lluvia infinita que poco a poco ha ido calando en nuestros ánimos, hasta arrugarnos el corazón. Humedad permanente que ha vuelto a hacer presente nuestra reuma de añoranza. Nuestro deseo prohibido de volver.

La esperanza cada día más flaca. La moral a nivel del mar. Cada mañana una nueva cura de humildad, al mirar los mapas del tiempo. Isobaras que te invitan a ahorcarte. Ciclo permanente de nubes cargadas de agua, girando sobre el cielo de la ciudad.

Y pasa un día gris y le sigue otro nublado. Una noche más sin ver las estrellas. Ya no recuerdo el sol del anochecer, ni la luna del amanecer. Sólo memorias mojadas, cartas mojadas, zapatos mojados, sueños empapados en lágrimas mezcladas con alcohol.

Querida lluvia: te amo y te amaré. Tu melancolía me seduce, tu presencia me ayuda a pensar. Pero necesito que te vayas ya. Aunque sea por un rato, aunque sea para que me dejes disfrutar de mi añorada primavera, de la que te empeñas en hacerme olvidar.

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Playlist del relato por orden de aparición:

English summer rain – Placebo
Rain on my Windows – Jill Jackson
Lluvia y viento – Espanto (Remezcla Joe Crepúsculo)
Carlos, su auto y la calle mojada – Buenos Muchachos
Wet Ground – Sondre Lerche
Have you ever see the rain – Creedence Clearwater Revival
Cloudy sky – The Cardigans
Here comes the rain again – Eurithmics
I´ll take the rain – R.E.M.
Recuerdo del lago artificial – Mirafiori
Black umbrella – Aaron Thomas
Famous Blue Raincoat – Leonard Cohen
Pruple Rain – Prince & The Revolution
Missing the Light of the day – Air
Podría volver – Los Planetas
Rainman – Cooper
I hung my head – Johnny Cash
Heavy Water – Foals
Maldito color gris  Nosoträsh
Lluvia en mis zapatos – Me enveneno de azules
Tears in rain – Jehst
Right as rain – Adele
Rain city – Turin Brakes
Spring rain – Auditory Canvas

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Sin embargo, a la Rolling Stone hay que reconocerle que de vez en cuando, consigue entrevistas y reportajes únicos. De esos con declaraciones importantes o personajes de marcado renombre social. La mayoría de ellos relacionados con la música pero sin tratar sobre ella, lo que los hace originales y de calidad. Y este es el caso de la entrevista que salía publicada antesdeayer al actual Ministro de Educación, Cultura y Deporte, Juan Ignacio Wert.

La verdad que desde su llegada a uno de los ministerios supuestamente más llevaderos, el nuevo ministro ha dado mucho de qué hablar. Y es que si en tiempos de bonanza este puesto es una dulzura, cargado de abrazos, inauguraciones, premios y entregas de subvenciones. En tiempos de recortes, sus decisiones no pueden estar siendo más criticadas y comentadas tanto por los afectados, como obviamente por la oposición.

Juan Ignacio Wert estudio en Marianistas (al igual que Rubalcaba, Aznar, el “Dioni”, Enrique Bunbury o incluso yo) se licenció en Derecho con premio extraordinario, estudió un master en sociología y su pasado profesional está mucho más ligado a los análisis de audiencia y de opinión, que a la cultura propiamente en sí.

Pese a ello, a lo largo de toda la entrevista y una vez pasado el primer trago más de politiqueo (“Es necesario optimizar nuestros recursos, ser más eficientes. Hemos elaborado unos presupuestos responsables con la situación económica”) intenta mostrar toda su sapiencia cultural y musical. “Beatles y Rolling Stones. Me gustan los dos. También mucho Paul Simon y la versión más pop del country: Willie Nelson, John Denver. Fuera de onda, Ralph McTell, con ese Streets of London, de gusto muy minoritario; Jim Croce, que murió tan joven y siempre recuerdo ese Time in a bottle. También ha muerto muy pronto Amy Winehouse y me encantaba. Igual que Adele, que considero que es su continuación natural. Aunque insisto en que tengo más discos seguramente de los Beatles y, entre mis canciones preferidas, hay más de los Rolling. Además, yo no estoy en esa guerra fanatizada de considerar que, entre estos dos, unos eran muy buenos y los otros vomitivos.”

En estos últimos días, varios medios musicales se han hecho eco de esta entrevista. Por desgracia una vez más, modificando la fuente y sesgando la noticia para intentar hacer entender algo más, de lo que puramente dijo en su declaración.

Yo, después de leerla tres veces, me pongo a reflexionar sobre la entrevista y la verdad que sí que hay un amplio debate sobre el que opinar. Y como sé que en otras ocasiones ese debate se ha producido de manera respetuosa y muy enriquecedora en los comentarios. Aquí os dejo tres breves  opiniones/reflexiones para que podáis opinar.

Para empezar, me gustaría decir que no comparto la extendida costumbre de mezclar política con cultura. Tanto a la hora de preguntar, como a la de responder, (pese a que al final lo intente solucionar). “Bueno, hay algunos (artistas de derechas). Está Russian Red… Pero sí es verdad que igual no hay un grupo, porque en este país los artistas están muy marcados por la impronta de la Transición, de esos alineamientos en la salida del Franquismo. No pasa nada. Lo importante es la calidad de sus trabajos, no sus ideas políticas”.

No me gusta mezclar música con política, al igual que no soporto lo de mezclar deporte o religión con política. Me tocó las narices el video de la ceja, al igual que lo hace la gente que no asume que se pueda ser del Athletic de Bilbao y votar al PP, o ser católico y votar al PSOE. Así que partiendo de ese punto de vista me sobran comentarios como lo de Russian Red. Más cuando pocos días antes, la artista recibía la medalla de Plata de la Comunidad de Madrid. (Si es que, qué necesidad habrá de sembrar la duda de la legitimidad…)

Lo segundo que me gustaría destacar, es la respuesta completa dentro de la cual se saca la frase  que tanto se ha comentado en los medios: “Y además los músicos habían vuelto a vivir más del bolo, por la caída brutal de las ventas de discos, que hace tiempo dejaron su esplendor. Es cierta la situación preocupante en la que están los mayores promotores de conciertos, que son los ayuntamientos, pero los músicos tendrán que acomodarse a esta situación. Probablemente deberán cobrar menos y conseguir que se involucre más la iniciativa privada, los patrocinadores… Cuando llueve, llueve para todos.”

Desafortunada, pero sin duda que no tanto como nos han querido hacer entender. Pero eso le pasa por generalizar. Porque si en la vida en general no se puede generalizar señor Wert, en un mundo tan desigual e injusto como el de la música menos aún.

Por todos es sabido como se distribuyen los fondos de manera más que cuestionable en asociaciones como la SGAE. Todos sabemos también como a base de talonario suenan las canciones en las radios mas escuchadas de nuestro país y como las discográficas independientes son las responsables del 80% de las novedades lanzadas al mercado actualmente en España. Mientras que, las cuatro grandes multinacionales del mundo de la música (Universal, Sony, Warner y EMI) alcanzaron el 88% del mercado discográfico español físico y el 97% del digital.

Así que decir esto me parece injusto a todas luces. Por suerte la música no es economía. No se puede entender la creación de una banda como la salida a bolsa de un valor, ni se le puede calificar con una AAA, ni se puede comprender la creación de un disco, basándose en los principios del liberalismo. Y si lo hace, estará reduciendo la cultura a su mínima expresión. La expresión del papel, (verde a poder ser). Señor Wert, muchas veces y aunque quizá usted esto no lo sepa, o incluso no lo crea, o incluso si lo cree lo vea absurdo. Los grupos arriesgan su dinero para hacer música. Invierten sus ahorros pese a que a veces sepan que no van a poder recuperarlos por el mero placer de hacer cultura.

Y si a lo que se refería es que los Ayuntamientos no tendrán tanto presupuesto para traer a Bisbales, Bustamantes y demás. Quizá lo que debería reflexionar es acerca de cómo están invertidos las partidas destinadas a música y si quizá con ese mismo presupuesto, se pueden apoyar a cientos de bandas independientes de dicha localidad, para que se promocionen y se puedan dar a conocer. Que yo sepa los presupuestos de deporte van para apoyar los equipos de barrio, mejorar las instalaciones y que la gente pueda practicar el deporte. No para que la gente vea gratis en la plaza del pueblo el Barsa-Madrid, o el respectivo derbi de la ciudad. ¿Por qué entonces se pagan autenticas barbaridades para que la gente vea gratis a grandes artistas de altísimo cache en vez de invertir en la cultura de base, ayudas para grabar, mejorar instalaciones y demás?

Creo que los artistas deben de cobrar lo que les de la gana y que el público sea quien decida si quiere asistir o no. Pero me parece muy injusto cómo se invierten los presupuestos en cultura y me cabreo cuando veo reportajes como el de “Cuando éramos más cultos” que hace poco hizo Jordi Évole en Salvados. Muy recomendable la verdad.

Ya para acabar y por no seguir enrollándome mucho más. Sólo una declaración más del señor Ministro, para que cada uno las juzgue como crea mejor.

“Yo creo que (La Movida) está notablemente exagerada. Estuvo además muy atinado uno de sus referentes intelectuales cuando dijo que el que habla de ella o no estuvo o miente, porque el que estuvo no puede contarla, ya que estaban muy colocados. Fue relativamente minoritaria. Eso sí, para Madrid fue un poco como quitarle la caspa, el pelo de la dehesa, porque la ciudad era aún provinciana, menos cosmopolita, menos vibrante. En términos de cosmopolitismo Barcelona estaba años luz por delante de Madrid. Hoy, probablemente es al revés. Esto igual no lo debía decir como ministro, porque es como tomar partido, pero creo que son los propios barceloneses los que lo reconocen. Además, es buena esa competencia entre las dos ciudades.

Yo la primera parte no la comparto para nada, aunque es verdad no estuve allí. La segunda parte… quizá sí.

Lee completa la entrevista aquí.

Bueno, pero no te preocupes. Las madres son siempre comprensivas y seguro que recibirá de mil amores una buena disculpa y una tardía felicitación con el telón de fondo de una significativa canción. Que como no puede ser de otra forma, hable sobre los seres más queridos del mundo: las madres.

Hoy, en este post-día de la madre. Te propongo cinco canciones bien distintas, para que tú mismo elijas, con cual prefieres entonar el mea culpa.

Madrecita – Antonio Machín

Este fantástico bolero cantado por la inconfundible voz de Antonio Machín (y sus maracas) será la canción perfecta para las madres más clásicas. Si ya ha pasado los cincuenta y es el propotipo de madre que todo el mundo imagina cuando pronuncia dicha palabra, esta canción le encantará. Seguramente la habrá bailado alguna que otra vez, le traerá buenos recuerdos y la letra le enternecerá. Madrecita del alma querida, puede que sea el ejemplo más directo, claro y amoroso de canción dedicada a una madre. Una banda sonora algo segurola, pero del que sabes que el resultado será satisfactorio por descontado.

Amor de Madre – Gabinete Caligari

Posiblemente mi canción favorita de las cinco que hoy pondré aquí. No sólo por lo míticas que son de por sí las canciones de Gabinete Caligari. Con la peculiar voz de Jaime Urrutia y ese sonido entre caribeño y cañí que hacían únicos la mayoría de sus temas. Sino por lo que dice la letra. Entrañable y cercana. Con esos consejos del día a día que hacen que el amor de madre sea algo inigualable e imposible de comparar. Los primeros pasos. Comer mirando la ventana de un patio interior. Los lloros del primer día de colegio. Todas esas pequeñas y sin embargo imprescindibles enseñanzas de una madre, se recogen en esta canción. A nada que sea un poco yé-yé, o le guste el clásico pop español, con está canción te aseguro que recibirás ese caluroso abrazo que sólo ellas saben dar.

Julia – The Beatles

Si tu madre es una amante de los escarabajos, entonces puede que esta sea una de las canciones que más le ablande el corazón en este post-día de la madre. Julia, es una de las varias desgarradoras canciones que John Lennon dedicó a su progenitora, tras su trágica muerte atropellada por el coche de un oficial de policía. Las biografías cuentan que pese a no vivir con el adolescente John, pues ella contaba ya con una segunda familia, Julia iba a visitar casi a diario al joven Lennon. Dicharachera, estrovertida, amante de la música… Esta peliroja de Liverpool apoyó desde el prinicpio a su hijo en lo relacionado con la música y fue sin duda en muchas ocasiones la musa de John, más aún después de su fallecimiento. Diez años después de su muerte, John se atrevió a publicar esta melancólica pieza que cierra la cara dos del Álbum Blanco (EMI, 1968) de los Beatles

It´s alright ma (I´m only bleeding) – Bob Dylan

La joya de la corana para las madres más revolucionarias y amantes de la música folk, puede que sea la larga (7:29), profunda, antibelicista y cargada de mensaje canción de Dylan. Muchas veces ha sido versionada y entre las más famosas se encuentran los covers de The Byrds y de Roger McGuinn. Pero en mi opinión (y posiblemente en la de tu gran amante de la música madre) la versión que más le pone los pelos de punta sea la desnuda y original del genio Dylan. Esa que apareció grabada por primera vez en el Bringing it all back home (Columbia, 1965) y que refleja el grito desesperado de cientos de soldados  a través de la voz, la guitarra y la armónica de Bob. Porque cuando todo va mal, sabemos que ellas siempre están allí y que cuando más desprotegidos nos sentimos, su compañía siempre es la más deseada. Y porque en el fondo, “He not busy being born is busy dying” (no está ocupado naciendo, está ocupado muriendo) y “But it´s alright ma, it´s life and life only” (Pero está bien mamá, es la vida, sólo vida) ablanda el corazón de cualquiera.

Mother – The Police

Después de muchas escuchas, definitivamente pienso que esta canción no es la más apropiada para ninguna madre. De hecho no sé muy bien por qué la estoy incluyendo aquí, cuando no creo que se pueda dedicar a mucha gente y menos a una madre. Pero es una de las rarezas más extrañas que hizo Police y bueno, si ella es muy fan de Sting, quizá se la puedas poner aunque sea para que le esneñes de lo que eran capaces. Las malas lenguas dicen que esta canción fue el motivo por el que Andy Summers, guitarrista de la banda, nunca volvió a cantar ninguna canción. Pero más allá de su calidad vocal, lo cierto es que su grito de desesperación y su emblemática canción, le sirvieron para demostrar a todo el mundo que él también era capaz de escribir escalofriantes canciones. Aunque estas tuviesen un registro algo distinto a la tónica del resto de temas de la banda.

24 horas de viernes que empiezan en la oficina. Minutos que parecen eternidades mirando la pantalla nublada de un ordenador. Mochila preparada, hostal sin reservar. Que no se te olviden el número de referencia para recoger las pulseras. ¿A qué hora hemos quedado al final? Ellos salen antes, nos esperarán en una gasolinera cuando paren a repostar.

Sensación de libertad camino del sur. Nerviosismo horas antes de una nueva temporada que vuelve a empezar. Coches cargados de estudiantes de nuevas bandas que descubrir en directo. Complicidad entre los conductores al mirarse al adelantar.

Llegar y encontrar alojamiento. Descargar las maletas y empezar a sentir esa ilusión que lo llena todo. Canciones que conoces en cada esquina. Caras que te suenan al cruzar miradas. Reencuentros inesperados que sólo suceden de festival en festival. Alboroto frente a la entrada y por fin: entrar.

Carreras, chillidos, fotos, saltos, emoción. Algunas bandas ya están tocando. Los escenarios se empiezan a llenar. Primeros dilemas con los solapes. Quedamos después de Manel en el bar. ¿Has comprado tickets? Necesito una birra ya.

Y tras ese largo trago tranquilizador, las primeras melodías celestiales. Quedarte de pié mirando un escenario, envuelto por sonidos que te provocan felicidad. Que todo desaparezca a tu alrededor. Sólo la banda, sólo su música. Sólo la sonrisa incorruptible que se forma en el primer minuto y se mantiene durante todo el festival.

Euforia, recogimiento, alegría, complicidad, amistad… No es sólo la música lo que hace especiales a los festivales. Es todo el ritual que va a su alrededor y que en esta ocasión lleva por nombre SOS 4.8. El pistoletazo de salida de una temporada que a partir de ahora y semana tras semana, te llevará la música a un punto distinto de nuestro país.

Durante un fin de semana la música se llama SOS y Murcia se convierte en la capital del reino independiente. Durante un fin de semana, todos los amantes del pop estarán ausentes o presentes, pero pensando en lo que se está viviendo en aquel recinto ferial.

Se acabó mirar fotos añorando la felicidad del pasado. Primer fin de semana del quinto mes del año. Cartel inmejorable para empezar. Todo el mundo en sus marcas. Preparados, listos, ¡ya!

Playlist SOS 4.8

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You must be out of your mind – The Magnetic Fields
El hombre que casi conoció a Michi Panero – Nacho Vegas
Cuando te deje – La Estrella de David
Difraz de tigre – Hidrogenesse
Future stars slow – The Kills
Te debo un baile – The New raemon
La nueva reconquista de Graná – Grupo de Expertos Solynieve
Lobo López – Kiko Veneno
Jump in the pool Friendly Fires
Common people – Pulp
Heavy Cross – Gossip
Still words – The Leadings
Kalemba – Buraka Som Sistema
Destiny – John Talabot
Face – The Zombie Kids
Rebelion – Oso Leone
Stephen Hawking – Parade
Get Away – Yuck
Clint eastwood – Antònia Font
Cannibal Dinner – Bigott
August 2010 – Matthew Herbert
La duda ofende – Klaus & Kinski
White noise – Mogwai
Did we ever really try – Delorentos
La canción de amor en la que el chico gana – Miqui Puig
Do you realice?? – The Flaming Lips
Perlas – El Columpio Asesino
¿Qué se siente al ser tan joven? – La Casa Azul
Marlene, la vecina del ático – Love of Lesbian
Hits me like a rock – CSS

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Pienso en Madrid en un día como hoy y no dudo ni un segundo en saber cual será la banda sonora del día. Madrileña, de El Hijo.

La chica de la Cava Alta, los bares de la calle Pez, el paisaje de la Sierra, paseos por un centro comercial, Navidad en la Plaza Mayor… No sólo es por todas las referencias a Madrid que vas encontrando a lo largo del disco y que consiguen que sonría a la vez que me haga añorarlo. Es que el disco en sí es uno de mis largos favoritos, cargado con varias de esas canciones que he escuchado y escucharé cientos y cientos de veces.

El Hijo, por si no lo conoces, es el proyecto musical más personal, de alguien tan curtido en este mundo como es Abel Hernández. Canciones valientes a mitad de camino entre la clásica figura de cantautor madrileño y el pop preciosista, ultracuidado y perfeccionista, en el que cada detalle, marca la diferencia. Melodías calmadas pero adictivas. Letras de carácter costumbristas, pero cargadas de ironías y escalofriantes postales estrofadas.

Madrileña (Acuarela, 2010) es su tercer (y de momento último) trabajo, a espera de la ansiosa venida del que será su próximo y mecenado trabajo Los Movimientos. Y cuando antes decía que está cargado de canciones que he escuchado y escucharé cientos de veces, no era mi intención exagerar. Es que es verdad. Así ha sido y si por un casual te pones este disco de El Hijo y te gusta, también te pasará.

“Soy, la palmera perdida en, medio del huracán que, sopla cuando me mira… Sin, mirar, me…”

Ejemplos tan sencillos y exuberantes como este, son los que se encuentran constantemente en canciones como “La Palmera”, “Balada Baladí”, “A belén” o “Toda la noche nevando” y a los que te es inevitable no sucumbir una y otra vez.

Un disco perfecto para cualquier día gris del año. Pero sin duda más especial si cabe, cuando este día gris es un 2 de mayo y lo estás viviendo alejado de todas las celebraciones que hoy se dan en Madrid.

Espero que estas diez castizas y singulares fotografías en forma de canción. Sirvan de felicitación para todos los madrileños que nacieron, o que como yo, se hicieron después . Y en concreto para ti, Carmen. Madrileña que hoy cumples tu primer año de edad y empiezas a dar tus primeros pasos por la ciudad. Seguro que dentro del disco, encontrarás más de una canción que te sirva de nana inmejorable, para una noche tan especial.

Hace diez años y tres meses, una joven americana de 23 años presentaba su prematura candidatura a entrar en el selecto club. Su nombre, Geethali Norah Jones Shankar. Sus credenciales. Catorce canciones recogidas dentro de un álbum bautizado como Come away with me (Blue Note, 2002). Si buscas entre tus discos, lo más seguro es que lo tendrás.

Aquel jazz contemporáneo que te hacía viajar a vaporosos locales de los 50. Su voz aterciopelada, agradable, escalofriante. Sus minimalistas y melancólicas canciones que conseguían que asomases las lágrimas, sin ni siquiera entender sus letras. Recuerdo perfectamente haber pasado varios meses de mis diecisiete años sin sacar ese CD de mi viejo Discman.

El disco triunfó, pero como todo, pasó. Y más de diez millones de copias después y con ocho premios Grammy a la espalda, Norah se enfrentaba a lo más difícil que una prematura dama de 23 años se puede enfrentar. La normalidad de la monotonía, la vuelta al trabajo, la mejora permanente, la búsqueda de nuevos horizontes y la asunción de lo difícil que aquello sería de repetir.

Hoy, a pocas horas de la salida de su quinto álbum de estudio, podemos confirmar que Norah Jones cuando presentó su candidatura a los 23, ya era aquella dama que hoy es. Y lo ha demostrado a lo largo de todos estos años a base de duro trabajo. De álbumes personalistas que a menudo no fueron comprendidos ni compartidos por todos, pero que siempre derrocharon sinceridad, intimismo, coherencia y mucha, mucha calidad.

Así llegó en 2007 Not too late (Blue Note/EMI) donde por primera vez, su mano estuvo ya presente en todos los temas. El experimental y criticado The fall (Blue Note) en 2009 y su recopilación con artistas de todos los estilos …Featuring (Blue Note) en 2010. Una excelente e irrepetible resumen de la mano de bandas tan variadas como Foo Fighters, Belle & Sebastian o Outkast.

Pero la espera ha merecido la pena. Al menos para los amantes de su evolución hacia los sonidos más pop. Si no lo habías ido haciendo ya, olvídate de todo aquel mundo que le rodeaba en Come away with me. Creo que su nuevo trabajo será calificado por todos los medios como una joya pop, más que como una joya blues o jazz.

2009, Brian Burton (Danger Mouse) y Norah Jones se encierran durante cinco días en el estudio Gnarls Barkley sin tener ni idea de lo que podría pasar. Aquel embrión que a ninguno de los dos les dejó del todo satisfecho, no vería la luz hasta dos años después. Momento en el que una renovada Jones se presentó en el estudio de Danger Mouse con cantidad de trabajo avanzado y dispuesta a terminar de su mano, el quinto álbum de su carrera. Un nuevo enfoque a su música que llevaría por nombre Little broken hearts (Blue Note/EMI).

Doce delicias muy variadas y de marcado carácter pop, que comienzan con un sutil coqueteo con la electrónica (marca de la casa Broken Bells), a través de “Good Morning” y “Say Goodbye”. Y va evolucionan entre claroscuros paisajes, como es su single “Happy pills”, hasta cerrar el disco con el rock minimalista de “All A dream”, que recuerda a los últimos trabajos de Alex Turner.

Un nuevo y maravilloso universo, que una madurísima Jones se ha atrevido a descubrir de la mano de uno de los que mejor se lo pueden enseñar. Y es que los trabajos de Burton se cuentan por éxitos. Gorillaz, The Rapture, Black Keys o su mencionada banda Broken Bells, le hacen sin duda el mejor astronauta con quien dar este excitante paseo espacial que seguro te va a conquistar.

Melancolía minimalista con nuevo acento pop. Atrevidos arreglos con guitarras, orquestaciones y el justo toque sintético, que te van a hacer escucharlo una y otra vez. Volver a sentir esa agradable sensación de estar hipnotizado por la inmejorable voz de la Dama: Norah Jones. El mejor fichaje que este estilo de música, hacía en mucho tiempo.

Ya no queda nada. Mañana en las estanterías de tu tienda de discos favorita, estará reluciente la portada retro de Little broken hearts, el flamante nuevo disco de Norah Jones. Hasta entonces, confórmate con este link donde podrás escucharlo al completo de manera on-line.

De acuerdo, puede parecer triste. Pero esta es la canción que desde hace cosa de mes y medio o dos meses no sale de mi mente. Ya no puedo vivir sin ella y no pasa un día en que no la escuche tres o cuatro veces. Está metida en mi cerebro, me tiene totalmente enganchado, es escuchar su soniquete y que se dibuje una sonrisa en mi cara.

Aunque lo cierto, es que no es la primera vez que me pasa. Ya me sucedió parecido con How I met your mother. A menor escala con 30Rock, The Big Band Theory y recientemente con New Girl. Sí, he de reconocerlo. Me chiflan las series yankis. Desde hace algunos años son mis fieles compañeras. De mis mejores amigas desde que vine a vivir aquí. Y sin quererlo me he convertido en un maniático compulsivo de sus sintonías.

Y es que pensarás que es una tontería, pero no lo es. Hasta ahora sólo he mencionado algunas de mis favoritas, dentro de las series de comedia de menos de media hora. Treinta segundos divertidos y adictivos que consiguen que cuando suenen, ya me quede como un tonto mirando a la televisión. Pero es que en cuanto empiezas a indagar un poco más, te das cuenta de que existen auténticos temazos que sirven de introducción.

¿Conocéis Boardwalk Empire? No sé quien será el creador de la cabecera, pero que sepa que aquí tiene a un fan. Por no hablar del resto de la banda sonora que va ocupando las escenas de la serie. Una auténtica delicia todas ellas. Aunque si hablamos de sonido… Para sonido Mad Men. Y no, no me refiero sólo a la intro (que también es de mis favoritas) si no al propio sonido del que goza la serie. En sus capítulos parece que hasta el humo suena bien. Cada calada, cada sorbo, cada hielo deshaciéndose, cada botón abrochado, cada beso, cada mirada de pasión. Me gustaría saber quién es el genio que está detrás, poniendo un micrófono en cada detalle de cada momento, grabando cada sonido de cada sensación.

Pa-Tum, Trrrrr… Pa-Tum, trrrrr (Dum, dín, dín, dum dín…) No puedo pasar de mis favoritas sin dejar sobre la mesa de diseccionar a mi tan querido Dexter. Entre caribeña y escalofriante. Entre agradable y cagarse de miedo. Aunque para miedo, el que pasé este invierno viendo American Horror Story. En serio, la veía con mi compañero de piso y la “intro” la teníamos que pasar. Sólo la vimos la primera vez. El resto, incapaces de escuchar esos sonidos de metales retorciéndose, de electrónica del mal. Y es que seguro que tú también pasaste miedo con el comienzo de Expediente X y la verdad que la de The Walking Dead, tampoco está mal para taparse con la manta en el sofá. Pero es que American Horror Story, las dejas a todas atrás.

Ya para ir acabando, creo que podríamos hacer una breve selección de todas esas melodías instrumentales de marcado carácter épico. Esas que van acompañadas de bellísimos paisajes o imágenes de heroicidad. Pienso en este tipo y me viene rápidamente a la cabeza la recién estrenada segunda temporada de Game of Thrones, la sensacional Roma, Band of Brothers y como no, mis amados Heroes.

Uno escucha todas estas bellas melodías, que cuando miro atrás y piensas de donde viene toda esta tradición, lo cierto es que no sé que pensar. Será que el mundo ha cambiado mucho, los estilos, o los propios compositores. Pero es que ya ni la mítica sintonía de Friends, parace que esté a la altura. Por no hablar de melodías que todos nos hemos sabido de memoria, aunque sé que te dará vergüenza reconocer. ¿O no te vienen a la mente canciones si te digo Los Vigilantes de la Playa, Beberly Hills 90210, Blossom, El Príncipe de Bel Air, El coche fantástico o El equipo A?

Para otro post dejo ya el mundo de los dibujos animados. Desde La Pantera Rosa a Los Simpsons, pasando por Padre de familia, South Park o American Dad. Sin entrar en Disney ni en Warner Bros, me vienen a la mente como cinco o seis melodías que merecen sin duda un espacio único en el blog.

He reservado para terminar, la que puede que sea mi cabecera favorita. El sublime inicio que sin saberlo The Raputre crearon para Misfits. Posiblemente, casi imposible de superar.

Pero para ti, ¿Cuál es tu melodíaa favorita?

Playlist del capítulo por orden de aparición:

The Office
How I met your mother
30 Rock
The Big Bang Theory
New Girl
Boardwalk Empire
Mad Men
Dexter
American Horror Story
The X Files
The Walking Dead
Game of Thrones
Rome
Band of Brothers
Heroes
Friends
Baywatch (Los Vigilantes de la Playa)
Beverly Hills, 90210
Blossom
Fresh Prince (El príncipe de Bel Air)
Knight Rider (El Choche Fantástico)
The A Team
The Pink Panter
The Simpsons
Family Guy (Padre de Familia)
South Park
American Dad
Misfits

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